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Retrato Animado

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El director de animación japonés y fundador de Studio Ghibli junto con Isao Takahata, Hayao Miyazaki, es quizás uno de los más grandes animadores de nuestro tiempo. Nacido el 5 de enero en Tokio, ha sido reconocido en todo el mundo por su enorme talento; en occidente se ha ganado el mote del “Walt Disney de Japón”.

Inició su carrera en 1963 como animador en el estudio Toei Doga. En 1965, Miyazaki se casó con Akemi Ota y tuvieron dos hijos, Goro, que creció hasta ser un animador (recientemente dirigió la película del Studio Ghibli, Cuentos de Terramar, 2006), y Keisuke, un artista de la madera. En 1968, Miyazaki emprendió su carrera a cargo del diseño de los paisajes de la aldea en la película Las aventuras de Horus príncipe del sol, dirigida por quien además de colega se convertiría en un gran amigo, Isao Takahata. A pesar de las buenas críticas, la película fracasó comercialmente por sus altos costos. Las repercusiones recayeron en el sueldo y rango de Takahata, que decidió abandonar Toei en 1971 y continuar por su cuenta. Miyazaki lo acompañaría en esta decisión. Así, la dupla Miyazaki-Takahata inició diversas colaboraciones para el estudio Topcraft que más tarde derivaría en el famoso Studio Ghibli. Además, este dueto tuvo un breve paso, hasta 1974, por los estudios A-Pro donde Miyazaki dirigió algunos capítulos de la serie de televisión Lupin III, acerca de un estafador y antihéroe muy atípico, que revisitiaría años más tarde en su primera película.

Entre los años 1974 y 1978, junto con Takahata, trabajó en series de animación para la televisión basadas en clásicos de la literatura infantil y juvenil. La primera fue la popular serie Heidi, la niña de los Alpes (1974) en la que sobre todo estuvo encargado de los paisajes. Más adelante, Miyazaki se trasladó a Zuiyo Pictures, donde diseñó los 26 episodios de la serieConan, el niño del futuro (1978).

En 1979 dirigió su primer largometraje con el mencionado personaje de Lupin III en El Castillo de Cagliostro que se convirtió en un éxito artístico e, inesperadamente, comercial. Pero no fue hasta 1985, tras el éxito de la película Nausicaä del valle del viento (1984), basada en la novela gráfica del mismo Miyazaki, que el nombre de Topcraft es cambiado por el de Studios Ghibli (Sutajio Jiburi). La palabra “ghibli” deriva del apodo que los italianos usaban para sus aviones de exploración del Sahara durante la Segunda Guerra Mundial, que designa el viento caliente que sopla en el desierto. Aunque el nombre proviene de este idioma, la pronunciación adaptada a la fonética japonesa es 'ji-bree' o 'ji-bu-ri'. Con la fundación de este estudio, Miyazaki y Takahata "soplaban" un nuevo viento en la industria del anime.

A partir de entonces Miyazaki se encargaría de realizar una de las obras más sólidas de la animación que además de constituirse como un parangón técnico, ha desarrollado temas personales, recurrentes y visionarios como la protección del medio ambiente, el vuelo, y las heroínas de carácter fuerte y desafiante, pero sensible. Al contrario de su manga (trabajo de comics) donde explora la parte más oscura de la naturaleza humana, su filmografía, destinada principalmente a los niños, es propositiva, dice más “deseo que existan tales personas/cosas/mundos” a “este es el modo en que son las cosas”.

El más evidente de sus temas es el foco rojo que pone sobre la necesidad de proteger la naturaleza de la destrucción humana. Este es un mensaje central en Castillo en el cielo (1987), Nausicaä del valle del viento y La princesa Mononoke (1997), donde los protagonistas batallan contra los males de la tecnología y la codicia.

Su padre estaba relacionado con el medio aeronáutico, fue así que Miyazaki adquirió la fascinación por el vuelo, que hace patente en toda su producción animada, a través de sus paisajes y de sus muchos personajes que viajan por los aires. Kiki tiene una escoba en Kiki de servicio (1989), Nausicaä utiliza un planeador y Porco Rosso, en el filme homónimo (1992), tiene un magnífico aeroplano de color rojo.

A últimas fechas, Miyazaki se ha involucrado en el mundo de los videojuegos. En conjunto con Level-5 desarrolla, en el género de los RPG (Role Playing Game), para la portátil de Nintendo (NDS) y el PS3 de Sony, el proyecto Ni no Kuni. La historia se centra en un niño de trece años llamado Oliver que pierde a su mamá por una enfermedad y, por consiguiente, los ánimos que lo caracterizaban. La esperanza del niño vuelve cuando una pequeña muñeca, regalo de su difunta madre, resulta ser un hada de nombre Shisuku, que asegura tener la solución a los problemas de Oliver. Con ayuda de un libro viajan a través de un mundo paralelo y comienzan su aventura.

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San Salvador: primavera silenciosa

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“Pulgarcito de América”, originalmente atribuido a la poeta chilena Gabriela Mistral, es un calificativo para referirse a El Salvador. Popularizado luego por el gran poeta revolucionario, Roque Dalton, en su icónico libro Historias prohibidas del Pulgarcito de 1974. Ese mismo año, hartos del desprecio de otras comunidades, un grupo de migrantes salvadoreños llamados los “stoners”[1], amantes del heavy metal, formarían la pandilla Mara Salvatrucha en las calles de Los Ángeles. Treinta y cinco años más tarde, en 2009, se descubrió que “Pulgarcito de América” es en realidad  autoría del escritor salvadoreño Julio Enrique Ávila[2], y no de la señora Mistral. La construcción de la identidad contemporánea salvadoreña comienza entonces su propio proceso descolonizador, sin dejar de amar aquello que también hace de ella una identidad resiliente. En palabras del propio Dalton: «¿A quién no tienes harto con tu diminutez?».

Treinta y cinco años también del asesinato de Monseñor Romero, férreo defensor de las clases empobrecidas salvadoreñas y teólogo de la Liberación, y desde que Ronald Reagan incluyera esta teología como objetivo a combatir dentro del paquete de estrategias pensadas para eliminar los Movimientos Revolucionarios de Liberación Nacional en Centro América.

En el ínterin,  El Salvador ha sido testigo de una Guerra Civil (1980-1992), una Ley de Amnistía en el marco de los Acuerdos de Paz que generó una fuerte polarización ideológica desdibujando cualquier posible horizonte de reconciliación(1992) y una devastadora orfandad social que, unida a la precarización-sin-frenos, tuvo como respuesta el brutal endurecimiento de las Maras. Violencia sistémica y diáspora, en presente continuo, son realidades totalmente interiorizadas en el ADN salvadoreño.

En este contexto de guerra, postguerra y conflicto abierto con las Maras, la escena artística salvadoreña trabaja, de forma silenciosa, en la construcción de modos de ejercer prácticas que trasciendan la particularidad de la violencia como ente totalizador, con una creciente preocupación sobre el “asunto público”.

El siguiente recorrido muestra  –a través de redes de apoyo, la filosofía de la proximidad y la toma de conciencia de cómo las interacciones sociales determinan otras posibles estructuras categóricas de la realidad[3]–  la puesta en marcha procesos de apropiación del espacio público en la ciudad, a través de festivales trasversales, plataformas de experimentación on line, programas auto-gestionados por colectivos de arte-acción y políticas institucionales de profesionalización e internalización.

En San Salvador, una parte de la práctica artística trabaja en el desarrollo de herramientas que eviten la erosión de la memoria, evidencien el control bio-político del cuerpo social y, desde la desobediencia epistémica, ejerciten una revisión crítica para la construcción de un discurso histórico-artístico propio. Una primavera silenciosa, que al igual que las primaveras democráticas, niegan la negación[4] para proyectar nuevos modelos de convivencia.

Laberinto projects es un archivo digital para la revisión, recuperación y divulgación del trabajo desarrollado por la galerista Janine Janowski en el El Laberinto, durante el periodo de guerra y postguerra (1977-2001). Recientemente fue activado por la fotógrafa salvadoreña Muriel Hasbun, quien reside en Washington, D.C., y premiado con el Howard Chapnick  Grant (2014). Janowski fue una pieza clave en el proceso de internacionalización y profesionalización de la escena contemporánea salvadoreña, por su apoyo a la creación local y centroamericana. Galería El Laberinto fue una plataforma de experimentación y crítica, convirtiéndose en un epicentro por la cual pasaron artistas como Julio Sequeira, Mauricio Aguilar, Miguel Antonio Bonilla, Carlos Cañas, Dagoberto Nolasco, Chubasco, Rosa Mena Valenzuela, Luis Lazo, Beatriz Deleón, Luis González Palma, Moisés Barrios, Martorell o el poeta David Escobar Galindo.

Janowski logró armar una colección propia imprescindible para entender la evolución de los lenguajes contemporáneos en la década de los 80 y 90 y las consecuencias del conflicto armado. “La firma de paz nos ha trasladado de un tiempo de paréntesis a un tiempo en suspenso”, comentó Janowski en el 1º Simposio sobre prácticas artísticas y posibilidades curatoriales celebrado en TEOR/ética (2000).

En el 2015, Laberinto Projects presentó una primera acción de divulgación en el Centro Cultural de España en El Salvador, con la muestra Legado y memoria: trazando el laberinto, la cual incluye un time-line de la trayectoria de la galería, un conversatorio en Radio Tomada y un taller de reflexión sobre la colección privada de Janowski con la participación de alumnos de la Universidad de San Salvador y la Corcoran School.

[1] “El viaje de la Mara Salvatrucha” por Carlos Martínez y José Luis Sanz. Sala negra del periódico El Faro.

[2] Rafael Lara Martínez, “El Salvador, Pulgarcito de América (1946) de Julio Enrique Ávila. Crónica de un hallazgo”, AFCH, boletín № 42, 2009.

[3]  Rasgo definitorio de la teoría sociológica-psicológica del conocimiento “Construccionismo relacional”.

[4]  “Negar la negación” es una afirmación a través de la cual se construye la metodología  “Anadialéctica” propuesta por el filósofo Enrique Dussel como parte del proceso epistemológico del “Giro descolonizador”.

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Henri Cartier-Bresson. La fotografía como afirmación

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Palabras de Henri Cartier-Bresson

He estado haciendo fotos desde que era muy joven. No me acuerdo de qué edad tenía. Empecé pintando y dibujando y para mí la fotografía era un medio para dibujar, eso es todo. Un boceto inmediato hecho con la intuición que no puedes corregir. Si tienes que corregirlo, será en la siguiente foto. La vida es fluida y a veces las fotos desaparecen y no hay nada que puedas hacer. No puedes decirle a alguien “ey, por favor, sonríe de nuevo y vuelve a poner ese gesto” La vida ocurre sólo una vez, para siempre.

No me interesa documentar. Documentar es extremadamente aburrido y el periodismo… Soy muy mal reportero y fotoperiodista. Cuando hice la exposición en el Museo de Arte Moderno en el 46, Capa, que era muy cuidadoso me dijo: no debes tener la etiqueta de fotógrafo surrealista. Toda mi formación fue el surrealismo. Y aún me siento muy surrealista pero él me dijo que si te etiquetan de surrealista no vas a llegar más lejos, que no te harán un encargo y que serás como una planta de invernadero. Olvídalo, haz lo que te de la gana, pero la etiqueta debe ser fotoperiodista. Y Capa era extremadamente coherente así que no volví a mencionar el surrealismo, ésa es mi pasión privada. Y lo que quiero, lo que busco, es asunto mío. No soy un reportero. Eso es accidental, un extra. Cuando voy a algún lugar, intento hacer una foto que resuma una situación que maraville, que atraiga la mirada y que tenga una buena relación de las formas, que para mí es esencial. Un placer visual.

Había ritmo, la forma, la cabeza cae aquí, eso va hacia allá. Hay ritmo entre los diferentes elementos. Hay un cuadrado aquí, un rectángulo y otro… ¿Ves? Esos problemas me preocupan. El mayor placer para mí es la geometría que significa estructura. No puedes ir a hacer fotos de formas y figuras, pero es un placer sensual y un placer intelectual cuando tienes todo en su sitio. Es reconocer un orden que tienes en frente. (…) La diferencia entre una foto buena y una mediocre es cuestión de milímetros una diferencia diminuta pero esencial y si tomo la foto desde allí tendrá una distribución diferente que desde allí o allí. Y realmente es un pequeña recolocación con pequeños movimientos lo que estoy haciendo. No estoy saltando de arriba a abajo. Es una relación entre tu nariz, tus ojos, la ventana de atrás y ese mi placer… Establecer esas relaciones. Y a veces no hay foto. No pasa nada, no hay foto.

El periodismo es una forma de constatar. Bueno, algunos periodistas son escritores maravillosos pero otros ponen un hecho detrás de otro y los hechos no son interesantes. Es el punto de vista sobre esos hechos lo que importa y en la fotografía es la re-evocación de esos hechos.

Las fotografías que me importan son fotos que puedo mirar durante más de dos minutos y es mucho. No hay muchas fotos que puedas mirar una y otra vez.

Lo más difícil para mí es el retrato. Es muy difícil. Es un signo de interrogación que pones en alguien intentando contar quién es, a qué puede aspirar, cuál es el significado de su expresión… Y la diferencia entre un retrato y una instantánea es que en el retrato la persona acepta ser fotografiada. No es como alguien que ves, lo coges en la calle y ya.

Me gusta conocer a la gente en su ambiente. Es fascinante entrar en los hogares de la gente, mirarlos… Pero debes ser como un gato, sin molestar, de puntillas como un biólogo mirando a través de su microscopio. Cuando lo estudias todo, la gente reacciona de otra manera a cuando no sabes nada e intentas poner la cámara entre la piel de alguien y su camisa, no es fácil. Y las actitudes delante de la gente son muy distintas delante de la cámara. Algunos se sienten violentos, otros tímidos, algunos odian que les hagan fotos y a otros les encanta lucirse. Pillas a la gente muy rápido. Ves a la gente desnuda a través del visor, a veces los ves haciendo un steptease y puede resultar muy embarazoso. Recuerdo que tuve que fotografiar para Vogue a una mujer muy mayor, de Boston, una mujer maravillosa. Ella me sonrió pero era ese tipo de sonrisas que no puedes devolver. Ella quería ver la foto antes de que se publicara pero le dije que lo sentía mucho, que nunca lo hacía, que era una cuestión de confianza y ella estuvo de acuerdo. Me dijo “Ay, mis arrugas” y le dije que era su encanto propio porque después de todo depende de cómo te salen. Es verdad, es la marca que te deja la vida. Depende de cómo la gente haya vivido y todo eso queda escrito en sus caras. Después de una cierta edad, pienso que tienes la cara que te mereces.

En general, cuando hago un retrato hago algunas preguntas para ver la reacción de la gente cuando intentan hablar tan poco como sea posible, pero aún así debes establecer algún tipo de contacto. En cuanto a Matisse, estuve delante de él alrededor de hora y media en un silencio absoluto. Nos mirábamos el uno al otro a los ojos y quizás hice una foto buena (…) Fueron unas 6 fotos en hora y media y no hubo ninguna incomodidad.

A veces la gente me pregunta ¿cuántas fotos haces? ¿muchas al día? Siempre contesto que no hay una regla. A veces, como en esta foto en Grecia, vi el marco y todo y esperé a que alguien pasara e hice dos fotos, una de un cura ortodoxo con un sombrero redondo y otra a una niña. La de la niña estaba todo en relación con las otras formas mientras que la de él tenía algo más, era otra concepción y a veces no tienes una segunda oportunidad porque la gente se ha ido. Ése es el motivo por el que esta profesión crea tanta ansiedad. Porque estás siempre esperando, qué va a pasar, qué, qué? Es así todo el rato. Estás fotografiando y sí, quizás mejor así pero no debes fotografiar demasiado. Es como cuando comes o bebes demasiado, tienes que comer y beber pero no darte un atracón. Porque en el momento en el que levantas la mano el obturador quiere más y más y quizás la foto se encontraba en la mitad. Es una fracción de segundo, es un instinto. En fotografía debes ser rápido, como un animal de caza. Así la atrapas y la tomas y la gente ni siquiera lo nota. Y es precioso. Para mí, la fotografía es un placer físico. No hace falta tener mucha cabeza, sólo sensibilidad, un dedo y dos piernas. Es muy bonito cuando sientes que tu cuerpo está trabajando, lleno de aire y contactando con la naturaleza. Es precioso.

Soy extremadamente impulsivo, terriblemente impulsivo. Es una lata para mis amigos y familia. Soy un manojo de nervios pero me aprovecho de eso en la fotografía. Nunca pienso. Actúo, rápido. Tienes que olvidarte de ti mismo, tienes que ser tú mismo y olvidarte de ti mismo al mismo tiempo y así la imagen resulta mucho más fuerte. Lo que quieres y lo que ves. Tienes que implicarte completamente en lo que haces y no pensar. Las ideas son peligrosas. Tienes que pensar todo el tiempo pero cuando estás fotografiando no tienes que intentar forzar las cosas para explicar ni probar algo. No tienes que probar nada. Eso vendrá sólo.

La primera impresión es esencial, la primera vista es impactante, sorprendente. Salta hacia ti. Lo irás alimentando con tu propia vida, con tu gusto, con el bagaje intelectual que acarreas. Tus experiencias, tu amor, tu odio es un todo. Y la poesía es la esencia de todo. Hay dos elementos que están de repente en conflicto y hay una lucha entre ellos pero se da rara vez. No puedes buscarlo. Es como buscar la inspiración, todo llega enriqueciéndote a ti mismo y a tu vida. Es como decir que esperas por una buena foto. Por una foto genial… Pocas veces vas a hacer una foto genial. Tienes que ordeñar a una vaca muchas veces para tener mucha leche para poder hacer un pequeño trozo de queso. No comprendo lo que quiere decir “drásticamente nuevo” No hay ideas nuevas en el mundo, sólo cómo se disponen esas cosas. Todo es nuevo, cada minuto es nuevo. Me refiero a reexaminar. La vida cambia a cada minuto. El mundo se va formando cada minuto y es algo bello y trágico. Siempre hay polos y uno no puede existir sin el otro. Son estas tensiones las que siempre me han movido.

 

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Esta foto me gusta. Estaba conduciendo en Grecia, en las montañas del norte. Había un niño en la carretera que pastoreaba cabras. No sé si lo saludé o algo pero de repente empezó a andar con sus manos. Había tanto júbilo, tanta alegría en ese país yermo, en esa carretera polvorienta.

Todo es interesante si profundizas un poco, pero al mismo tiempo no puedes fotografiar todo lo que veas. Hay sitios en los que el pulso se te acelera más que en otros… Después de la guerra no sé por qué pero tenía la sensación de que era importante ir a países coloniales. ¿Qué cambios van a ocurrir allí? Es por eso por lo que estuve tres años en oriente.

Estuve en India justo cuando Gandhi murió, después de la división de India y Pakistán y es cuando hay un cambio de situación cuando hay más tensión. He estado viviendo en la India más de un año y el problema de la demografía, de la inmensidad del país, de la gente me preocupaba mucho. Me gusta vivir en los sitios, no me gusta ir de visita. Lo que se hace con tiempo, el tiempo lo respeta.

Pasé en China los últimos tres meses del régimen de Kuo Ming-Tang. Lo vi caerse en pedazos y estuve allí cuando llegaron los comunistas. Me quedé otros seis meses. Los chinos siempre han estado entre regímenes caóticos, severos y tiranos. Durante siglos han pasado de uno a otro. Tuve suerte de estar allí justo durante ese cambio. Una tradición y lo que permanece de ella, una actitud revolucionaria y una nueva concepción del hombre.

Interesar a la gente con lugares lejanos, impresionarlos, deleitarlos no es difícil. Lo más complicado es hacerlo en tu propio país. Sabes demasiado sobre él, cuando es tu propio bloque, tu propia rutina es difícil salir de ahí. Cuando voy al carnicero o lugares donde voy todo el tiempo, sé demasiado pero no lo suficiente para estar lúcido. Pero tienes que tener la mente abierta, ser consciente. Por eso la gente hace unas 10 fotos buenas en su vida. Lo interesante es la constancia. Seguir trabajando. Hay que reexaminar las cosas, intentar estar más lúcido y más libre y profundizar cada vez más. La cámara es un arma. No puedes probar nada pero al mismo tiempo es un arma. No es propaganda. En absoluto. Pero es una forma de gritar cómo te sientes. Me encanta la vida, me encantan los seres humanos, pero también odio a gente. ¿Lo ves? La cámara puede ser una pistola pero también puede ser un diván de psicoanálisis. Puede ser un cálido beso. Puede ser un libro de bocetos. Y para mi, ésa es exactamente mi forma de sentir, disfruto tomando una foto, estando presente. Es una forma de decir sí. Es como las tres últimas palabras del Ulises de Joyce, que es uno de los trabajos más tremendos que se han escrito nunca. Es sí, sí, sí. Y así es la fotografía: sí sí, sí. No hay un quizás. Todos los quizás deberían ir a la basura porque es un instante, es una presencia, un momento, está ahí. Y es un respeto, es un gozo, el tremendo placer de decir sí. Incluso si es algo que odias, ¡sí! Es una afirmación. ¡Sí!

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Taller andino para productores en FILMAR

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FILMAR-2015

En el marco de la cooperación cultural 2015 la Cooperación regional para los países andinos, la Embajada de Francia en Venezuela y la Alianza Francesa de Caracas se unen al Festival de cine latinoamericano y caribeño de Margarita FILMAR y al Festival de cine latinoamericano de Toulouse para promover la producción creativa y cualitativa de los proyectos de películas de ficción.

Convocatoria

El VIII Festival de Cine Latinoamericano y Caribeño de Margarita (FILMAR 2015), en alianza con la Embajada de Francia en Venezuela y Cinélatino, Rencontres de Toulouse, ha abierto la convocatoria al Curso de Desarrollo de Proyectos Cinematográficos de ficción para productores de Bolivia, Colombia, Ecuador, Perú y Venezuela del 17 al 20 de Octubre del 2015


Fecha de cierre de la convocatoria: 31 de Agosto


El Curso tiene como objetivo principal la orientación integral para la conexión de las tres bases fundamentales del cine: el guion, la dirección y la producción, con el fin de estudiar y desarrollar las posibles estrategias que permitan garantizar la viabilidad de realización de los proyectos seleccionados.

El Curso se llevará a cabo en la Isla de Margarita, capital del Estado Nueva Esparta, Venezuela, durante 4 días, del 17 al 20 de octubre de 2015 en el marco del VIIIº Festival de Cine Latinoamericano y Caribeño de Margarita (FILMAR 2015).

Podrán optar al Curso de Desarrollo de Proyectos Cinematográficos únicamente productores con experiencia previa demostrada en la actividad cinematográfica, y cuya nacionalidad corresponda a alguno de los siguientes países andinos: Bolivia, Colombia, Ecuador, Perú o Venezuela.

El Curso de Desarrollo de Proyectos Cinematográficos estará a cargo de un equipo de asesores conformado por notables profesionales del medio audiovisual de Latinoamérica reunidos por Cinélatino, Rencontres de Toulouse y Setembro Cine SL.

Se seleccionarán seis (6) proyectos para desarrollo: Dos (2) proyectos venezolanos y cuatro (4) proyectos entre los países andinos convocados (Bolivia, Perú, Ecuador, Colombia). Los criterios de selección para el Curso de Desarrollo de Proyectos Cinematográficos se basan en la calidad de los proyectos presentados, en la motivación del postulado y en su interés por el desarrollo de los procesos de producción.

Estructura académica

El Curso de Desarrollo de Proyectos Cinematográficos convoca a los productores exclusivamente y está estructurado bajo las modalidades de ponencias, de estudios de casos, de asesorías individuales y grupales, ofrece un espacio de intercambio de buenas prácticas de producción.

El taller tiene como objetivo trabajar el desarrollo del proyecto en todos sus aspectos, tanto del lado del guion, como de las estrategias de desarrollo, producción, financiación e internacionalización.

Condiciones de participación

• El Curso de Desarrollo de Proyectos Cinematográficos está dirigido únicamente a Productores, con experiencia previa demostrada en la actividad cinematográfica; cuya nacionalidad corresponda a alguno de los siguientes países andinos: Bolivia, Colombia, Ecuador, Perú o Venezuela.

• El optante deberá estar plenamente autorizado o contar con los derechos correspondientes a la obra para representar al proyecto ante el VIIIº Festival de Cine Latinoamericano y Caribeño de Margarita (FILMAR 2015).

• El envío incompleto de la documentación solicitada implica la anulación automática de la candidatura.

• Los concursantes podrán enviar un máximo de dos (2) proyectos de los cuales se escogerá solo uno (1).

• Toda la documentación debe ser enviada en español.

• La participación en el Curso es a tiempo completo, y los seleccionados estarán sujetos a dedicación exclusiva durante el tiempo de duración del programa.

• La coordinación del Curso confirmará regularmente la asistencia y progreso de los participantes seleccionados, a fin de asegurar el cumplimiento del programa y el nivel de éxito esperado.

• El incumplimiento de las presentes condiciones y la inexactitud en los datos y requisitos consignados por el optante, darán lugar a la anulación de su participación.

Requisitos

El Formulario de Inscripción disponible en la página web www.festivaldemargarita.org.ve

Proceso de inscripción, evaluación y selección

- La inscripción al Curso de Desarrollo de Proyectos Cinematográficos es gratuita y se realizará únicamente a través de la página web del festival www.festivaldemargarita.org.ve, llenando el formulario on line. El optante deberá revisar con detenimiento las bases y registrar todos los datos del formulario, adjuntando los requisitos adicionales en formato PDF.

- La fecha de cierre de la convocatoria es el día 31 de agosto de 2015. No se tendrán en cuenta las solicitudes que estén incompletas, los proyectos que lleguen fuera de plazo, o los que no cumplan los requisitos establecidos en las presentes bases.

- Una vez concluido el plazo de recepción de solicitudes un comité de especialistas estudiará los proyectos presentados y efectuará la selección de los finalistas que participarán en el Curso.

- La decisión del comité evaluador es inapelable y no podrá ser declarada desierta, será anunciada el 15 de septiembre de 2015.

- Los proyectos seleccionados para participar en el Curso de Desarrollo de Proyectos Cinematográficos serán anunciados a través de la página web del festival www.festivaldemargarita.org.ve. En el caso de que sea seleccionado, el optante contará con un plazo de diez (10) días a partir de la notificación para confirmar por escrito su aceptación al curso.

Para solicitar cualquier información concerniente al curso de proyectos podrá hacerlo a través del correo electrónico: Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo.

Una vez seleccionado:

- Los seleccionados deberán enviar al correo electrónico: Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo. colocando en el asunto la palabra SELECCIONADO seguida del nombre del proyecto la siguiente documentación:

• Fotocopia de los documentos que acreditan los principales méritos académicos o profesionales aportados por el optante en su solicitud.

• Certificado o documento que acredite su domicilio o residencia.

• Una vez seleccionados los proyectos se procederá a confirmar el equipo de asesores. El candidato será notificado una vez configurado.

- Los resultados serán publicados a través de la página web: www.festivaldemargarita.org.ve

Observaciones

Una vez recibido el documento de aceptación y la documentación solicitada en las condiciones establecidas, se le adjudicará al seleccionado lo siguiente:

• En el caso de seleccionados extranjeros:

- Boleto aéreo ida y vuelta de los participantes de la Comunidad Andina, desde su país de origen hasta Venezuela. (Serán gestionados por la Cooperación Regional Franco Andina).

- Boleto aéreo ida y vuela Caracas – Margarita. (Cubiertos por la organización de FILMAR2015).

- Hospedaje y alimentación (Cubiertos por la organización de FILMAR2015).

- Transporte terrestre para actividades del festival. (Cubiertos por la organización de FILMAR2015).

• Para Cualquier consulta relacionada con el curso el participante deberá dirigirse a la siguiente dirección de correo electrónico: Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo.

• La Coordinación del Curso y la Organización del Festival se reserva el derecho de realizar cualquier cambio que estime oportuno en el programa académico, en el calendario del Curso o en cualquier punto de las presentes bases.

• En caso de producirse alguna modificación en el programa académico (tanto en el calendario como en el equipo de asesores), por razones ajenas a la voluntad de la organización del Festival, se esforzará por encontrar las mejores vías de solución que estén al alcance de sus posibilidades.

• La documentación correspondiente a los proyectos no seleccionados será destruida.

• En ningún caso se entregarán los informes y valoraciones generados en el proceso de selección de proyectos

Los participantes se comprometen a:

a) Aceptar el contenido de esta convocatoria y el resultado de la misma, así como cumplir con las obligaciones reconocidas en los apartados siguientes.

b) Encontrarse en Nueva Esparta- Venezuela, el día de comienzo de la actividad que fundamenta su selección dentro del curso, así como cumplir con su cronograma a plenitud, sin que quepa cambio o modificación alguna del objeto o finalidad para la que se concedió.

c) Asimismo, se comprometen a aceptar por escrito su participación en el Curso de Desarrollo de Proyectos Cinematográficos dentro de los diez (10) días, a partir de la notificación de la propuesta de Resolución definitiva. De no comunicarse la aceptación de la beca dentro de dicho plazo se entenderá que desisten de su petición.

d) Mencionar en los créditos de inicio de la película la participación del proyecto en el Curso de Desarrollo de Proyectos Cinematográficos Andinos, FILMAR 2015. Y deberá incluir los logos de todas las instituciones participantes.

e) Una vez finalizada la película – en caso de concretarse y de buscar un distribuidor nacional – los participantes se comprometen a otorgar la primera opción de visionado a Amazonia para su evaluación con miras a la distribución nacional de la película previo acuerdo mutuo entre las partes

La selección de su proyecto le confiere:

• Pago del 100% de la matrícula del Curso

• Boletos Aéreos Andinos

• Boletos Aéreos Nacionales (Caracas – Margarita)

• Alojamiento y alimentación durante la ejecución del FILMAR2015

• Seguro médico

Gastos que son asumidos por la producción del VIII Festival de Cine Latinoamericano y Caribeño de Margarita 2015

 

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EL HIJO (LITERARIO) ILEGÍTIMO DE ROBERTO BOLAÑO: HUIDAS Y BÚSQUEDAS

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Roberto Bolaño es un escritor que se caracterizó por desplegar en su narrativa elementos propios del mecanismo policial clásico [1] o de enigma y del neopolicial latinoamericano [2], aunque se acerca un poco más a la novela negra [3] norteamericana. La composición o la estructura estético-literaria que comparten sus textos con el género policial o que puede ser leída desde el género policial, es susceptible de ser observada por la presencia de un detective —como en las novelas Estrella distante, (1996b) y La literatura nazi en América (1996a), o en el libro de relatos Los perros románticos (1994)— o de un personaje (o de varios personajes) que cumple con ese rol —como en las novelas Los detectives salvajes (1998) y 2666 (2004)—, y por la existencia de un crimen —o de una o varias desapariciones que suponen un crimen o más de uno— sin desenlace o sin resolución —como en las novelas La pista de hielo (1993) y Amberes (2002)—.

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Leer más: EL HIJO (LITERARIO) ILEGÍTIMO DE ROBERTO BOLAÑO: HUIDAS Y BÚSQUEDAS

Wim Wenders: "El cine está moribundo porque está perdiendo espontaneidad"

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Todo saldrá bien es un filme sobre la redención y la culpa que propone el descubrimiento del otro como camino a la paz.

 

Pocos meses después de estrenar con gran éxito su documental sobra la obra del fotógrafo Joao Salgado La sal de la tierra, Wim Wenders regresa a las pantallas con su primera película de ficción en siete años. Todo saldrá bien a pesar de su título es un denso drama sobre Thomas (James Franco) un escritor treintañero en crisis vital que se acentúa cuando atropella, y mata, sin querer a un niño. Thomas inicia entonces un viaje de introspección en medio de los inmensos y helados paisajes de Canadá mientras se debate con su novia (Rachel McAdams) e inicia una relación con la madre del niño muerto. Película intimista rodada en 3D (un tema que le apasiona) que acaba alcanzando aires épicos y poéticos, Todo saldrá bien es un filme sobre la redención y la culpa que propone el descubrimiento del otro como camino a la paz y el equilibrio. Hablamos con el director, muy elocuente, a su paso por Barcelona.

- ¿De dónde surge su nueva pasión por el 3D?
- En 3D no he visto tantas películas porque al principio las vi casi todas y no tenían ningún interés. Lo que me interesa del formato es utilizar dos cámaras como si fueran dos ojos y recrear el efecto que hacemos los seres humanos al mirar. Lo mejor que le puede pasar a una película 3D es que no se note que es 3D que es lo contrario de lo que hacen los americanos, ellos quieren que se note, que te impresione.

- Ha estrenado dos documentales en los últimos meses, La sal de la tierra y Cathedral of Culture. No rodaba ficción desde Palermo Shooting (2008). ¿Está más interesado ahora en el cine de lo real?
- No, en absoluto. El estreno casi simultáneo de los dos documentales ha sido casualidad, ambos llevaron mucho tiempo y se terminaron casi al mismo tiempo. Respecto a la ficción, el problema es que los plazos son muy largos, como mínimo te pasas tres, cuatro o cinco años después de hacer una película para poder hacer la siguiente. Cuando era joven podías hacer una película al año, todos las hacíamos. El documental lo que sí te permite es ser un poco más espontáneo porque no tienes esos lastres tan costosos. El cine está moribundo porque está perdiendo esa espontaneidad.

- Todo saldrá bien trata sobre un escritor en crisis, ¿siente esta película muy cercana a usted por el hecho de ser un artista?
- La siento muy cercana pero no porque sea un artista sino porque el protagonista es un hombre. Un escritor es por definición un hombre exagerado, quizá más que un hombre en general. Pero al final es un hombre con los problemas masculinos típicos, arrastrar grandes traumas y preferir guardárselos para sí con lo cual es peor. Me interesan estas historias que le pueden pasar a cualquiera. Estar envuelto en algo que no quieres y que eso te lleve a conocer lo que no conoces...

- Algunos cineastas se centran en la misma ciudad o lugar, usted sin embargo siempre viaja con sus películas. ¿Cómo le influyó el paisaje polar canadiense?
- Conocía bien el lugar pero nunca había rodado allí. Cuando leí la historia de inmediato me acordé de esos paisajes. Era muy importante encontrar el mejor lugar porque el guión no está situado en ningún sitio en concreto y para mí es crucial saber dónde pasan las cosas. El guión lo terminé con el escritor en Canadá para que tuviera esa relación profunda con el lugar.

- Después de filmes como Paris, Texas (1984) o Tierra de abundancia (2004) vuelve al continente americano...
- Es un paisaje muy americano pero al mismo tiempo en seguida te das cuenta de que no es Estados Unidos. Es una sensación extraña porque emocionalmente estás en América pero de una manera u otra sientes que podrías estar en Europa. Es una buena traducción de mi propia situación porque he hecho películas en Estados Unidos pero no soy americano, soy un extranjero, así que Canadá explica esa dualidad. Cada paisaje no solo es un lugar, expresa los sentimientos de la gente que lo habita, es un lugar del alma y parte esencial de la historia. A veces, los lugares en mis películas explican mejor la historia que cualquier otra cosa. Por ejemplo en esta película al principio está todo helado y luego deshiela, es lo mismo que le pasa al protagonista.

- Lo que no cambia es esa dicotomía entre la grandeza del paisaje americano y la figura humana. ¿Por qué le gusta trabajar con esas distintas escalas?
- Como he dicho, los paisajes son una manera de profundizar en los personajes, especialmente en los planos muy amplios aunque pueda parecer paradójico. En esta película o en Paris, Texas cuando vemos al personaje como una mancha en un paisaje inmenso ese plano está diciendo más sobre su alma que un primer plano.

- Hay ecos de Dostoievski en este hombre que se siente culpable por un crimen del que ha salido indemne.
- El castigo puede ser positivo porque puede servir para curarte. Ese dolor puede curarte porque si no recibes el castigo que crees merecer, te castigas a ti mismo y puede ser mucho peor. Esto es lo que le pasa a Thomas, la madre del niño le dice que le perdona, todo el mundo le repite que no es culpa suya pero él no puede quitárselo de encima. Muchas veces es más difícil perdonarte a ti mismo que perdonar a los demás. Su drama es que nadie le quiere castigar por ello por lo que él no puede empezar ese proceso de curación hasta que no lo saca fuera. Thomas solo entiende al final que es mucho mejor aceptarse a sí mismo y lo que ha hecho y este es un gran paso para él.

- Hay otra frase de Dostoievski, es bueno haber sufrido pero no sufrir. Parece ser un poco la conclusión...
- Al final uno percibe que es un hombre mejor y ese sufrimiento ha tenido un papel en ello. No es el único que sufre en la película, la madre también sufre por la pérdida de su hijo, pero ella sabe expresar sus sentimientos y es generosa, cosa que Thomas no es. Ella siempre es mucho más libre. Cuando deja la casa, y eso es una metáfora de cómo deja el pasado atrás, sabemos que a pesar de todo seguirá sufriendo por haber perdido a su hijo. Pero a Thomas le lleva mucho más tiempo que a ella aprender que la vida no solo se trata de ti mismo sino del otro. Es realmente una persona que no ha abierto jamás la puerta.

- El título, Todo saldrá bien, es curioso en su sencillez y optimismo...
- Es un pequeño juego. Todos sabemos que es muy difícil que las cosas vayan bien y para que vayan bien realmente tienen que estar bien.

- En la relación con el padre vemos su temor a repetir los errores de sus ancestros.
- La historia del padre nos sirve para ver de dónde viene. Nos perpetuamos a nosotros mismos. No queremos verlo pero nos solemos parecer mucho a nuestro padre y nuestra madre. Thomas se parece mucho más a su padre de lo que está dispuesto a admitir.

- James Franco es conocido por actuaciones muy expresivas y su estilo histriónico, aquí lo vemos en un tono comedido y dramático totalmente distinto. ¿Cómo fue trabajar con él?
- Es un joven muy serio. Él también es escritor y director por lo que conoce el conflicto de utilizar la vida de otras personas para tu trabajo. Es también un actor muy sobrio lo cual en este caso era fundamental porque el 3D capta en seguida cuando sobreactúas. Este fue uno de los grandes descubrimientos de trabajar con 3D y es que puede ver a través del alma de los actores.

- En varias escenas vemos el reflejo en el cristal de los personajes. ¿Por qué?
- El 3D tiene una cosa fantástica y es que desaparece el sentido de representación, la pantalla se convierte en una ventana. Puedes ver lo que sucede como a través de ellas. Me gusta a idea de una ventana como metáfora del plano y lugar a través del que puedes ver mucho más lejos. La ventana explica muy bien lo que estamos haciendo.

- En varios momentos los personajes parece que miran directamente al espectador. ¿Quería crear un espacio de intimidad entre ambos?
- Es otra manera de utilizar el 3D. La idea es que el espectador puede estar más dentro de la escena que nunca, que desaparezca la cámara.

- La música vuelve a tener un papel fundamental. Esta vez viene firmada por Alexander Desplat. ¿Por qué lo escogió?
- Él es canadiense y, como he dicho, para mí es importante que la película pertenezca al lugar en el que está rodada.

- ¿Cuál fue la última película que le impresionó?
- La última película que me gustó y sorprendió fue Ida y es curioso porque es una película con un estilo muy antiguo. Pero vi en ella una historia que me interesaba y contada de una manera muy original. La vi dos veces.

 

 

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